ARTISTES
Ulrike Bernard
Ulrike Bernard, née en 1985, est une artiste italienne visuelle qui vit et travaille à Berlin.
"Je crée des installations et des rencontres performatives. Je transpose mon intérêt pour les perspectives (éco)féministes dans des œuvres textiles qui prennent vie dans le cadre de rassemblements et d'expositions. Que ce soit dans le cadre d'un geste performatif, d'un format de lecture dialogique ou d'une installation participative, je suis particulièrement intriguée par les références et les connexions qui surgissent lorsque les participants se réunissent, qui peuvent être perçues à travers la présence du corps, au-delà du langage et de la logique quotidienne. J'aime créer des espaces qui favorisent le bien-être, le dialogue et le jeu. Je travaille en tant qu'artiste solo ainsi que dans des constellations collectives. Dans mon travail et dans celui de notre collectif, nous explorons constamment des formats performatifs qui permettent des formes plus profondes de participation, d'activation et de présence, et qui remettent en question nos modes de perception habituels. Je suis active dans le domaine de l'éducation environnementale et culturelle et je suis la fondatrice de l'Atelier Of Liveliness, un laboratoire d'ateliers en intérieur et en extérieur dédié aux formes de vie artistiques et environnementales. J'ai grandi dans les Dolomites avec une vue directe sur la montagne Schlern/Sciliar et je vis à Berlin depuis 2006."
Lucia Brico & Federica Peyrolo
Duo performeuses, artistes italiennes
Lucia Bricco, vit et travaille à Athènes
Federica Peyrolo, vit et travaille à Turin
Lucia Bricco
Je réoriente ma pratique artistique en faveur d'une transition vers une situation plus libre, inclusive et horizontale. Je souhaite élargir l'espace autour de la performance, en essayant de créer une synthèse qui ne repose pas sur l'exclusion du superflu, mais sur l'union des détails. Si l'on transposait cela en politique, il s'agirait d'une démocratie utopique par excès, dans laquelle le système de normes serait constitué de la somme des exceptions et non de la convergence vers une règle commune. Je me suis accordé cet espace par nécessité de revendiquer quelque chose qui me semble crucial. Je ne me sens entier qu'en sortant de mes limites et en devenant moi-même dans n'importe quel autre nombre que le nombre un. Me considérer comme une unité unique est une contrainte. Je me sens plutôt plus réel lorsque je m'articule dans l'espace en m'étendant jusqu'à perdre l'idée de centre. C'est dans ce sens que j'oriente mon travail, en décentralisant la vision privée et collective de sa propre présence et de ses changements, en nourrissant la singularité par la pluralité, en déployant et en multipliant la complexité de la petitesse.
Lise Chevalier Artiste fondatrice A.T.E.N.A & directrice artistique
photo par Anna Blomme
website Lise Chevalier artiste française, née en 1985. Formée à l’Universität der Künste de Berlin, Lise Chevalier est une artiste plasticienne et poète dont la démarche se caractérise par la multiplicité des supports, le recours aux savoir-faire traditionnels et les projets à l’étranger. L’artiste créé en réciprocité avec le vivant une « Mythologie intérieure ». Les mégalithes côtoient les fougères, une « genèse végétale » se révèle dans ses encres, ses papiers et ses céramiques. Ses livres d’artiste et installations invoquent un rite vers un dialogue ininterrompu avec la nature. Elle vit et travaille à Sète depuis dix ans, elle a exposé à l’international : Auberge de France à Rhodes, Centre Culturel Métropolitain à Quito, Institut français à Kyoto, Palazzo Sant’Elia à Palerme, Künstlerhaus Bethanien à Berlin, Parkingallery à Téhéran. En France, son travail est exposé au MO.CO. Panacée et à la galerie AL/MA à Montpellier, au musée Paul Valéry, à Topographie de l’art à Paris. Ses livres d’artiste sont publiés aux éditions Méridianes et aux éditions Rencontres. Engagée pour la visibilité des femmes artistes, l’écologie, les échanges multiculturels, elle est la fondatrice de la résidence et du jardin d’artiste A.T.E.N.A à Sète.
Olympia Gauguet
Olympia Gauguet, née en 1991, est une cinéaste franco-grecque spécialisée dans le cinéma documentaire. Elle vit sur l'île de Rhodes. Elle a commencé son parcours universitaire par un diplôme en anthropologie sociale, suivi d'un master en réalisation de films documentaires. Basée entre Athènes et Rhodes, elle travaille comme réalisatrice, vidéaste et monteuse indépendante.
Parmi ses projets notables figure le court métrage documentaire "Limbic", qui est son premier film personnel. Ce film était son projet de fin d'études pour son master et explore le trouble bipolaire dans son ensemble, du point de vue du médecin, de l'ami et du patient. En 2024, Olympia Gauguet a été sélectionnée pour présenter l'un de ses films au Festival international du film de La Rochelle, un événement dédié au cinéma indépendant et expérimental. Son travail se distingue par son approche sensible des questions d'identité culturelle, de genre et de société, avec une esthétique documentaire engagée et contemporaine.
MIRJAM GURTNER
Mirjam Gurtner, née en 1980 est une chorégraphe et danseuse suisse basée à Berlin et à Bâle. En collaboration avec son ensemble, elle produit ses propres œuvres en Allemagne et en Suisse et effectue des tournées internationales. En 2021, elle a reçu le prix June Johnson Newcomer dans le cadre des Swiss Performing Arts Awards. Sa pratique artistique se concentre sur l'improvisation, la composition instantanée et la corrélation entre la perception sensorielle et la physicalité. Collaborant avec différentes disciplines, elle explore la relation entre le public et le corps en mouvement dans différents contextes spatiaux, mettant en scène ses œuvres dans des théâtres, des galeries, en plein air et dans l'espace public.
Sa dernière série d'œuvres, PLAY (2020-2024), a été présentée en première au KINDL Museum of Contemporary Art Berlin et au Theater ROXY Birsfelden. Depuis lors, PLAY a été présenté en plein air au 48-Stunden-Neukölln, lors d'une tournée nationale du Tanzfest Schweiz, au Performing Arts Festival Berlin, et a été rejoué sous forme de performance de longue durée à la Kunsthalle Palazzo Liestal, au FASONO Art Space et au Dock11 Berlin. En août 2024, elle a créé la performance in situ OPENING pour la compagnie inclusive Forward Dance Company du LOFFT Theater Leipzig à l'occasion de l'inauguration prestigieuse du Kunstfest Weimar, qui a suivi leur première collaboration GESTALTEN (2023), une performance de longue durée mise en scène au Monument à la bataille des Nations à Leipzig.
Heba Helmi
Heba Helmi, née en 1969, est une artiste visuelle égyptienne, graphiste, céramiste et écrivaine
Travaille en tant que potière indépendante à Tunis village au Fayoum et à Al Fustat, Le Caire depuis 2018. Egypte. Showroom à Al Fustat, le vieux Caire.
"Tunis est un village égyptien situé dans l’oasis de Fayoum, au coeur du désert occidental. Il donne sur le lac Qarun et est un centre important de poterie. Le charme de sa nature, qui mêle terres agricoles, palmiers, désert et lac, est pour moi une source d’inspiration inépuisable.
J’ai appris la poterie dans ce village et me suis liée d’amitié avec Evelyne Porret (1939-2021), qui a fondé une école de poterie qui s’est avérée être l’un des projets de développement les plus importants en Égypte. Tous les potiers de Tunis/Fayoum sont diplômés de son école. En tant qu’artiste plasticienne, j’ai enrichi ma pratique artistique en travaillant avec les potiers locaux. Mes expériences dans différents ateliers m’ont permis de combiner les techniques traditionnelles avec ma vision artistique. J’ai ensuite fondé mon atelier dans la Vieille-Ville du Caire, Fustat, qui est le principal centre de fabrication de poterie en Égypte depuis le 7ème siècle. En travaillant dans le village de Tunis et à Fustat, j’ai pu apprendre des deux sources de leurs différentes traditions et techniques. Diplômée des Beaux-arts, département peinture, Université Helwan, Le Caire, 1994.
Graphiste au studio Nagy Shaker, de 1992 à 2000.Master en histoire de l’art, 2001
Assistante enseignante au département d’histoire de l’art, Beaux-arts, Université Helwan, de 2002 à 2006. Concepteure de couvertures et de livres chez Sharkyat Publishing House de 2001 à 2008.
Concepteure graphiste de livres chez El Ain Publishing House de 2016 à 2018.
Travaille dans le domaine de l’impression et de l’édition en tant que graphiste pour AL Ahram Founda
KEIKO KIMOTO
Artiste peintre japonaise, née en 1977, vit et travaille à Toyooka au Japon. Proche de Toyooka, elle dirige un centre culturel où elle réalise des expositions, des live paintings. Parallèlement, l'artiste cultive des champs d'indigo depuis trois années et elle intègre ces techniques dans ses oeuvres et dans des collaborations.
"La peintre Keito Kimoto maîtrise diverses techniques et langages. L'artiste est précise, simultanée et exprime la beauté à travers la technique. Elle se soucie du spectateur, l'incite à réfléchir, à imaginer, à faire un effort pour comprendre ses peintures. Les peintures de Keiko Kimoto se distinguent par leur virtuosité immobile qui, en même temps, contient du mouvement. Sa technique implique des coups de pinceau rapides et de l'improvisation ; elle maîtrise la technique de figer le mouvement dans la peinture."
texte : extrait Adrea Meza Torres
Anastasiia Kolibaba
Anastasia Kolibaba, née en 1994 à Odessa, elle est une artiste ukrainienne. Diplômée du « Grekov Art College » (Odessa), où elle a étudié la peinture. Elle travaille dans les domaines de la peinture, de la sculpture et du graphisme. Ses œuvres font partie de collections privées en Europe, en Grande-Bretagne et en Ukraine, ainsi que de la collection du Musée national d'art d'Odessa (ONFAM). En tant qu'autrice et observatrice, je m'engage dans la documentation d'événements, la création d'un mythe moderne élémentaire et la construction d'artefacts artistiques de consentement. Il s'agit de réflexions sur les processus sociaux, politiques et culturels. Les concepts sont construits sur le contraste entre les idées lyriques sur l'éthique et les images primitives et archaïques. Pratique artistique : travail sur la modification du style narratif classique pour répondre aux besoins modernes. La direction stylistique gravite vers l'esthétique du symbolisme.
Kathrin Köster
photo par Anna Blomme
Kathrin Köster née en 1980 vit et travaille à Berlin. "En tant qu'artiste plasticienne, je travaille sur les frontières mouvantes et les transitions, les ambivalences et les états de suspension. Je travaille principalement avec des matériaux mobiles et perméables, tels que les textiles, la céramique et les dessins et peintures sur des surfaces libres. Les pliages et leur variabilité - l'instable et le déformable - déterminent l'interaction matérielle : additive, cumulative, successive : par le pliage et le dépliage. En plus de mon propre travail artistique, je fais partie de plusieurs structures collectives : par exemple, je suis co fondatrice du collectif d'artistes traces et du collectif frontviews, une association d'artistes et de théoriciens qui se concentre sur les thèmes écologiques et les processus de dissolution. Dans le cadre d'une mission d'enseignement à l'UdK Berlin, j'ai travaillé avec des étudiants sur le thème du jardin et j'ai conçu une exposition sur ce sujet."
ISIDORA KRSTIC
website Isidora Krstic Isidora Krstić est née en 1987 à Belgrade (ancienne Yougoslavie) et a grandi en Afrique du Sud. Elle vit à Vienne, en Autriche, depuis 2012. Elle est une artiste multimédia. Elle a obtenu une maîtrise en beaux-arts avec spécialisation en peinture à la Faculté des beaux-arts de Belgrade (2011) et une maîtrise en art et science à l'Université des arts appliqués de Vienne (2016). Ses travaux artistiques portent notamment sur la mémoire, l'incarnation et l'expression des traumatismes personnels et générationnels, l'exotisme et le corps en tant qu'entité sociopolitique en constante évolution. Son travail transcende les frontières disciplinaires strictes, bouleversant souvent les procédures et méthodes artistiques traditionnelles. Son travail prend souvent la forme d'une installation, en interaction avec l'espace et l'architecture du lieu d'exposition. Elle travaille dans les domaines de la peinture, du dessin, de la vidéo, de la sculpture, du collage et de l'impression. Elle participe également à des projets de conservation et de publication et traduit des textes artistiques. Elle est membre fondatrice de l'espace artistique U10 (Belgrade), géré par des artistes, et a travaillé dans la gestion de successions d'artistes, plus récemment celle de Kurt Kocherscheidt à Vienne.
Kristell Loquet
Kristell Loquet est née en 1978, elle vit entre Sète et Illiers-Combray. Depuis 2005, elle anime les éditons Marcel le Poney spécialisées dans le genre de l’entretien (avec des artistes et des auteurs contemporains), et diffusées par Actes Sud. Elle prend part aux expositions, aux éditions des travaux (notamment la revue Le Bout des Bordes) et à la vie du poète et artiste Jean-Luc Parant depuis sa rencontre avec lui en 1999 à l’école des Beaux-Arts de Paris, rencontre qui fut pour elle essentielle, jusqu’à la mort de celui-ci en 2022. Elle est notamment l’auteure de Le Chant des cigales, L’Hommaille et Le Temps est un peu couvert mais le soleil est là (Tarabuste, 2003, 2015 et 2023), Sous l’obscurité de mon manteau (Dernier Télégramme, 2018), Une lettre, Un suspens et L’Aumaille (L’Atelier contemporain, 2019 et 2022), Nuit de notre amour et Ginkgo écho (Les Venterniers, 2020 et 2025).
website Yukako Matsui Yuka Matsui est une artiste calligraphe japonaise. Initiée à la calligraphie dès l’âge de six ans, Yuka Matsui enseigne son art à “l’Atelier Shodô” qu’elle fonde à Tokyo en 2010. Après des études en France, elle développe une carrière artistique inspirée par la nature, l’art et littérature. Novatrice dans les techniques et les supports calligraphiques, elle réalise des performances originales dans de grands musées français et suisses: Cliographie(histoire et calligraphie)” et Ki-graphie(dialogue avec les arbres).Parallèlement à ses expositions et à ses démonstrations, Yuka Matsui réalise des couvertures et des illustrations de livres publiés en France et au Japon aux éditions Flammarion, Méridianes, Artes, Corridor bleu ou du Japan Times.
Gaëlle Scali
Gaëlle Scali, née en 1984, est une artiste sonore et plasticienne française née en 1984, elle est conceptrice audio, travaillant avec les musiques électroniques, et la peinture. Elle vit et travaille entre Draguignan et Montéréal au Québec. Elle a suivi un post-diplôme en pratique électroacoustique "Arts et créations sonores" à l'école Nationale d'Art (Ensa) de Bourges entre 2018/2019 et a obtenu un DNSEP en arts visuels à l'École Supérieure des Beaux Arts de Montpellier (MO.CO Esba) en 2009. Elle s'intéresse à la musique improvisée, aux pratiques de composition musicale assistées par ordinateur, à la performance live électronique et à l'histoire des musiques électroniques. Egalement impliquée dans une démarche d'art visuel, elle s'intéresse au territoire médiatique de la musique "techno", à sa dimension technique, culturelle, sociale, esthétique et à la médiatisation du son dans les arts visuels. Ses recherches actuelles mettent en tension des systèmes génératifs d'objets fractals à partir de création sonore expérimentale pour la live électronic music. Avec l'aide de collaborateur.rices, elle élabore une interface numérique de musique-visuelle perçue comme une interface expérimentale de composition intermédiatique. Ses créations sonores et ses recherches ont été présentées dans des festivals de musique électronique et expérimentale comme Mutek Montréal, Ars Elektronica, Festival Montréal/Nouvelles musiques, Printemps de Bourges.
site Claire Schneider "À 10 ans, ma maman m’offre un métier à tisser et depuis, je n’ai jamais arrêté. Bien que dyslexique confrontée à de nombreux tiraillements scolaires, cette technique me permet — curieusement — d’être dans la réussite. Sensation que mon cerveau est fait pour conter des fils, remplir des cases à petits carreaux et écrire des armures, le point toile, le sergé, le satin… Tout est simple et logique. À 16 ans (1981/82), je m’inscris à l’école Diderot à la montée de la Croix Rousse à Lyon. Je pars y apprendre le tissage de la soierie sur les métiers à tisser Jacquard. Un travail de reproduction de tissu ancien. Une haute technique ou la création a peu de place. En 1983/85, je pars à Paris aux Ateliers Nationaux d’Art Textile (aujourd’hui ENSCI, École Nationale Supérieure de Création Industrielle) où j’apprends le métier de designer textile,
l’architecture du tissu. J’apprends l’échantillonnage pour l’industrie, un métier codé et lié à la mode que je pratique pendant deux ans en freelance. En 1993, avide d’acquérir de nouvelles compétences, je me rends en Inde, au Kashmir à la recherche du tissage Cachemire — en souvenir d’une magnifique étole qui trônait dans ma famille sur un guéridon et qui, techniquement, restait une énigme pour moi. D’atelier en atelier, à Srinagar, je vois se tisser des chefs d’œuvres. Une multitude de bobines pour une multitude de couleurs où se dessinent le motif de la palmette, une goutte d’eau au sommet incurvé, le pétale d’un iris stylisé…
En 2002, j’obtiens une bourse du Ministère de la Culture français, pour l’étude de la technique de l’Ikat au Weaver’s Service Center d’Hyderabad, atelier gouvernemental en Inde et une formation de teinture aux ateliers Pinton à Felletin, Aubusson (23). La technique s’élabore à partir d’un dessin aux figures géométriques. Les motifs sont réalisés avant le tissage. Par capillarité, la teinture donne une perception de flou sur le bord des constructions géométriques. De l’Ikat naît toute la magie orientale émanant d’une étoffe dont l’harmonie des dessins et les calculs géométriques ont la sagesse de se perdre dans les contours des motifs, semblant ainsi repousser leurs propres limites. Technique que j’ai enseignée à l’école
des Arts Appliqués d’Aubusson. Technique que par la suite, je suis allée pratiquer en Indonésie et au Japon. Durant toutes ces années, j’ai continué à créer dans mon atelier, j’ai sans cesse remis
l’ouvrage sur le métier. Aujourd’hui je monte des projets d’art collaboratif pour la production d’œuvres monumentales tisser avec des publics : « Tisser la nature, Tisser la mer... » tisser des histoires ou chaque
participant développe un imaginaire au service d’une technique, le tissage."
Marie Strauss, née en 1981, est une artiste sculptrice allemande née à Berlin. Elle vit entre Berlin et Mexico. Toute première artiste invitée à A.T.E.N.A à partir de 2017, elle a réalisé 7 séjours de résidence à Sète pour travailler autour de la taille de pierre du marbre du Minervois et réaliser un projet "Steinorgane"
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